La influencia que tuvo en el país el Surrealismo es exhibido en la exposición “México Surrealista”, inaugurada anoche, en la que participan 11 destacados representantes del movimiento artístico con obras de pintura, dibujo, collage y fotografía.

La muestra montada en la Galería Oscar Román, en esta ciudad, reúne 61 piezas de Alice Rahon, Wolfgang Paalen, Wilfrido Lam, Remedios Varo, Leonora Carrington, Kati Horna, María Izquierdo, Jacqueline Lamba, Aube Breton, Roberto Matta y Leonor Fini.

El director de la galería, Óscar Román, explicó que la idea de abrir esta muestra radica en que algunos de los artistas antes mencionados comenzaron a desarrollarse en México dentro de este movimiento artístico y literario surgido en Francia en la década de 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.

Anotó que el pintor y teórico austro-mexicano Paalen fue el primero en realizar una exposición surrealista en México, y gracias a él se dio la pauta para que este movimiento lleve ese nombre.

En Europa, dijo, ya se estaba gestando el surrealismo, había muchas corrientes y autores, pero en México, a pesar de que ya existían algunos creadores surrealistas, no se encontraban dentro del citado movimiento, excepto las mexicanas María Izquierdo y Frida Kahlo, pero se desconocía.

Opinó que lo que gustó e influenció a los artistas extranjeros para trasladarse a México y aportar al surrealismo, fueron las condiciones de paz y tranquilidad que se vivían en el país en aquella época.

“Lo más maravilloso es que hemos tenido un país estupendo, hecho por el cual muchos creadores se establecieran aquí. México tenía las condiciones favorables, mientras que en Europa se vivía la guerra; México era una nación en paz, donde se podía trabajar, convivir, crecer y desarrollar estupendas obras de arte”, indicó.

Consideró que el muralista Diego Rivera y la pintora Frida Kahlo fueron dos personajes que brindaron este acercamiento a los creadores extranjeros, y hacer que la vida en este país fuera fácil.

Cuando llegaron, afirmó, les gustó todo, fueron como una especie de esponjas que todo absorbieron y que de inmediato llevaron al óleo; “plasmaron cosas simples y que nosotros no vemos, las pasamos desapercibidas”.

Subrayó que la llegada de los europeos “vino además de dar un empuje al movimiento surrealista, a enriquecer la cultura mexicana.

“Mientras que aquí estábamos con el movimiento muralista, el más importante, de la mano de Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, ellos y su movimiento vinieron a enriquecer al arte”, abundó.

Entre las exposiciones sobre este movimiento pictórico, recordó que en 1994 se realizó en la galería el primer homenaje póstumo para Alice Rahon con resultados estupendos por parte de la crítica y el público.

Mientras que en 2007 se llevó a cabo la exposición “El ojo del tiempo a través del Surrealismo”, en la que se logró reunir obras de prominentes creadores que participaban en este movimiento artístico.

“México surrealista” estará abierta hasta el próximo 22 de octubre en el recinto ubicado en Polanco, en el poniente de esta ciudad.

Pulso Político Online / Notimex

El libro “Cuando ellas me quieran”, del escritor, periodista, guionista y productor cinematográfico Jordi Mariscal, se presentó con sus historias amenas, tristes, divertidas y bonitas, narradas con una fluidez que atrapa al lector más exigente desde las primeras páginas.

Juegos de seducción y la búsqueda de un amor duradero son el hilo conductor de este libro de cuentos de Jordi Mariscal Servitje, quien es escritor, guionista y cineasta.

Los comentarios a la obra corrieron a cargo del escritor Armando Alanís y de la primera actriz Ariane Pellicer.

A lo largo de sus 152 páginas, el libro revela que el misterio de la conducta de las mujeres nunca ha hecho reír tanto como en esta recopilación de relatos sobre las novias de “Gerardo”, el protagonista, experto en toda clase de juegos de seducción inmerso en la entrañable búsqueda de un amor duradero.

“Siempre al fondo, la perplejidad y sorpresa de este hombre maduro ante la fuerza vital y psicológica de sus admiradas…”, refiere el libro dividido en cinco capítulos. En cada uno de ellos, se narra la vivencia del autor con una de sus novias, ya sean más o menos serias o sólo aventuras de una noche.

De ahí que cada capítulo lleve el nombre de las damas. “Gloria”, “Freya”, “Julia”, “Anaïs” y “Lidia”.

De acuerdo con la crítica especializada, no es una obra maestra ni mucho menos. Tampoco tiene aires de intentarlo, y de ahí se desprende el impacto que puede provocar en quien la pueda conocer.

En el primer capítulo se encuentra la historia vivida con su ex novia “Gloria”. Seguramente, esta primera historia producirá un impacto altamente agradable en el lector, por algunas expresiones utilizadas en el texto. Lo anterior, debido a que el autor es mexicano y sabe perfectamente escribir como tal.

Son algunas expresiones del lenguaje común en el habla de quienes nacieron o por lo menos habitan en esta nación, y que para algunos puristas pueden parecer ofensivas o groseras, pero en realidad no pasan de ser voces tan familiares, como “pendejo” o “pinche”, de uso tan arraigado y común en el país.

En el resto de capítulos se narran otras historias con esos amores pasados del protagonista, momentos pasionales con mujeres prohibidas que le dieron más de un dolor de cabeza y mucho, muchísimo más que un placer menor.

Y para la gozosa lectura del lector, cada relato está salpicado de un fino humor.

Se trata de un libro que bien sirve para vivir momentos de diversión literaria debido a la pluma de Jordi Mariscal (Ciudad de México, 1971), escritor, periodista, guionista y productor cinematográfico, quien realizó estudios de literatura en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

Tras otros estudios complementarios en la Universidad de Georgetown, en Washington, DC, participó en talleres de escritura de Daniel Sada y Elena Poniatowska. Vivió en Madrid, donde obtuvo una maestría en Periodismo y ejerció como reportero del diario El País en la ciudad de Madrid, en 2002.

Es productor ejecutivo y guionista de la película de ciencia ficción “2033”, estrenada en febrero pasado, y uno de sus documentales más conocidos es “El danzón del coyote”, sobre la Orquesta Sinfónica Infantil de Ciudad Nezahualcóyot, que muestra cómo la música ayuda a los muchachos.

Pulso Político Online / Notimex

El diputado Armando Báez, secretario de la Comisión de Cultura del Partido Revolucionario Institucional, inauguró esta noche la exposición “Francisco Toledo: Imaginario colectivo”, en el vestíbulo la Cámara de Diputados, de esta ciudad.

En entrevista previa a la ceremonia de inauguración de la muestra, el legislador dijo a Notimex que el Congreso abre un espacio para presentar la obra del maestro Toledo, un creador que ha plasmado conceptos de libertad en su trabajo. Para nosotros es un honor que la muestra se inaugure hoy aquí”.

Explicó que es un acto que hace que los congresistas se sientan vanagloriados “porque nos visita la obra de un artista oaxaqueño que ha triunfado en todo el mundo”.

Es importante, añadió, “valorar a nuestros artistas, defenderlos y quererlos, pues tenerlos en el recinto legislativo es un honor muy especial”.

La exposición “Francisco Toledo: Imaginario colectivo” es al mismo tiempo un homenaje por los 70 años de vida del artista que ha triunfado como pintor, grabador, ceramista y diseñador, e incluye la presentación a los legisladores de 10 de los 84 minutos del documental “Informe Toledo”, de Albino Alvarez.

Báez puntualizó que las exposiciones de esta naturaleza normalmente sólo están abiertas a quienes laboran dentro del recinto de San Lázaro, pero en esta ocasión se ha invitado a diputados de los diferentes estados del país para que vengan a la Ciudad de México y  puedan admirar la exposición.

“Diputados de diversas entidades de la República ya nos han confirmado su visita a la Cámara de Diputados de la capital del país”, añadió enseguida el legislador priísta, quien dijo que se aprovechará la ocasión para que conozcan el recinto y el Museo de la Cámara de Diputados, así como la Sala de Plenos.

La muestra se centra en la obra gráfica de Toledo y el eje temático se basa en 16 estampas calcográficas del “Informe para una academia de Franz Kafka”, pertenecientes al Museo Nacional de la Estampa y en “Diez estampas”, del acervo patrimonial de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (SHCP).

La exposición se acompaña con la proyección de algunos minutos del documental “Informe Toledo”, de Albino Alvarez, mismo que se presentó a los diputados reunidos en torno a la inauguración de la muestra, a la que asistió Consuelo Sáizar, presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta).

De la misma manera hicieron acto de presencia el director del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), Alfonso de Maria y Campos, y la directora del Instituto nacional de Bellas Artes (INBA), Teresa Vicencio, quienes mostraron su beneplácito por la exposición de parte de la obra de Toledo.

Pulso Político Online/NOTIMEX

El próximo 13 de septiembre se cumplirá un siglo de que fuera abierta al público la Zona Arqueológica de Teotihuacan, la más visitada del país con dos millones de visitantes al año, y para celebrarlo el INAH ha preparado una serie de actividades académicas que arrancan el día 23 con la develación de una placa.

Ese mismo día inicia el ciclo de conferencias “100 años de la Pirámide del Sol” y se inaugura una interesante exposición fotográfica.

Las conferencias se realizarán los jueves 23 y 30 de septiembre y 7 de octubre, con la participación de destacados investigadores que han desarrollado sus estudios en Teotihuacan.

Tal es el caso de Eduardo Matos Moctezuma, Rubén Cabrera, Alejandro Villalobos, Linda Manzanilla y Arturo Menchaca, entre otros, quienes ofrecerán un recorrido por la historia de los hallazgos arqueológicos más relevantes que se han registrado a lo largo de esa centuria.

Sobre la exposición fotográfica que también abre el 23, en el Museo de Sitio de Teotihuacán, el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) comentó que reunirá 32 fotografías históricas provenientes de la Fototeca Nacional del INAH, la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia y la Hemeroteca Nacional de México.

Esta muestra abrirá con una fotografía emblemática de 1910, en la que aparecen Porfirio Díaz y Justo Sierra, presidente de México y secretario de Educación Pública, respectivamente, junto con el arqueólogo Leopoldo Batres, durante la inauguración oficial de la Zona Arqueológica de Teotihuacan, y coincidiendo con la conmemoración del Centenario de la Independencia de México.

La exhibición, que estará abierta al público hasta noviembre dará cuenta además de la serie de exposiciones que se han montado en ese lapso en los recintos museísticos del sitio, y a través de las cuales se han dado a conocer los interesantes objetos arqueológicos que se han encontrado.

Como parte de los festejos del primer centenario de la apertura oficial de la Zona Arqueológica de Teotihuacan, también se realizarán recorridos y pláticas especiales para los niños y jóvenes de las comunidades aledañas a este sitio prehispánico.

A partir de los primeros días de septiembre y hasta diciembre autoridades de la zona arqueológica guiarán a grupos de estudiantes de las escuelas primarias, que serán los invitados distinguidos, con la primordial idea de que conozcan y valoren este importante patrimonio.

Otra de las actividades conmemorativas del primer siglo de exploraciones y apertura de la “Ciudad de los Dioses”, será la exposición “Tras la huella de Tláloc”, organizada por el INAH y la UNAM, la cual mostrará la importancia que tuvo esta deidad de la lluvia en la cosmovisión mesoamericana.

En Teotihuacan se han hallado los primeros rasgos fundamentales de Tláloc, que después se vieron reflejados en el resto de las culturas de Mesoamérica.

Esta exhibición, que se presentará de noviembre a mayo de 2011, estará compuesta por una serie de reconstrucciones virtuales de esculturas y piezas alusivas a esta deidad, de tal forma que ésta será la primera exposición multimedia que se presente en Teotihuacan.

La Zona Arqueológica de Teotihuacan, sitio emblemático de México, fue abierta al público el 13 de septiembre de 1910, luego de un lustro de trabajos previos de excavación y restauración.

“La Ciudad de los Dioses” (150 a.C.– 650 d.C.) llegó a ser la sexta ciudad más grande del mundo, sólo detrás de Constantinopla y Alejandría.

El arqueólogo Leopoldo Batres fue el encargado de los trabajos previos que se concentraron sobre todo en el rescate de la Pirámide del Sol.

La encomienda del gobierno porfirista al arqueólogo Leopoldo Batres, de explorar en su totalidad la Pirámide del Sol en 1910, representó el inicio de las excavaciones sistemáticas en Teotihuacan.

Tras un periodo en que la zona debió vivir también los estragos de la Revolución, en 1918, Manuel Gamio encabezó un proyecto sin precedentes, debido a su carácter multidisciplinario que no sólo buscaba el encuentro con el pasado sino la mejora de las condiciones de vida de los habitantes de esta región. La iniciativa fue denominada: La población del Valle de Teotihuacan.

Durante sus exploraciones en La Ciudadela, Gamio descubrió la fachada del Templo de la Serpiente Emplumada, detrás de otra estructura que hoy en día es conocida como la Plataforma Adosada.

Sigvald Linné, Alfonso Caso, Pedro Armillas, Eduardo Noguera, George Vaillant y Jorge Acosta, son algunos de los especialistas que llevaron a cabo investigaciones en áreas residenciales y ceremoniales del sitio, en la primera mitad del siglo XX.

Sin embargo, fue a partir de la década de los 60 que se dio un “boom” de proyectos que cambiarían la fisonomía de Teotihuacan y los conocimientos sobre la misma.

El equipo de arqueólogos del INAH, dirigido por Ignacio Bernal entre 1962 y 1964, se abocó tanto a áreas ceremoniales como habitacionales, entre ellas se puede mencionar la plaza de la Pirámide de la Luna y la Calzada de los Muertos, el Palacio del Quetzalpapálotl, el Templo de los Caracoles Emplumados, y los barrios de La Ventilla y Tetitla.

Como parte del grupo de investigadores figuraban Rubén Cabrera, Eduardo Matos, Guadalupe Mastache, Juan Vidarte y Laurette Séjourné.

De la década de los 80 a este nuevo siglo se pueden citar el Proyecto Teotihuacan 1980 -1982, coordinado por Rubén Cabrera; dentro del cual se excavaron conjuntos habitacionales en La Ciudadela, talleres de cerámica, el Complejo Oeste de la Calle de los Muertos y el Templo de la Serpiente Emplumada, éste último con la colaboración de George Cowgill y Saburo Sugiyama.

Entre 1992 y 1994, Eduardo Matos puso en marcha el Proyecto Especial Teotihuacan, en el que se rescataron varios sitios antiguos de la urbe prehispánica y en especial el Templo de la Serpiente Emplumada, además de excavarse la gran plataforma que rodea la Pirámide del Sol.

De tiempos recientes destacan los trabajos de Rubén Cabrera y Saburo Sugiyama en la Pirámide de la Luna; los de Leonardo López Luján, Linda Manzanilla y William Fash, en el barrio de Xalla; los de Cabrera en el conjunto La Ventilla; y las labores de Sergio Gómez Chávez y Julie Gazzola, quienes exploran un túnel hallado en las inmediaciones de La Ciudadela.

El próximo 13 se conmemora el primer centenario de investigaciones científicas en este sitio, declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO en 1987.

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El Buró Internacional de Capitales Culturales eligió hoy a Quito como la Capital Americana de la Cultura 2011, anunció el presidente de esa organización, el español Javier Tudela.

La distinción, que propiciará la promoción internacional de esta ciudad de más de dos millones de habitantes, tuvo lugar este día cuando Quito cumple 32 años de haber sido declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad.

El suceso, que reconoce a Quito como el centro histórico más grande, menos alterado y mejor preservado de América, se dio a conocer en el marco del Primer Encuentro de Historia y Conservación del Patrimonio Edificado, ante expositores de Argentina, Canadá, Chile, Colombia, Ecuador, Francia y Holanda.

Tudela indicó que la designación, que entrará en vigor en 2011, cuando Quito tomará la estafeta a Santo Domingo (República Dominicana).

Asimismo, señaló, se desarrollará el proyecto de elección y promoción de los siete tesoros de patrimonio cultural y material de Quito para convertirlos en “ventanas” de promoción de la ciudad.

Entre otras ciudades americanas que han ostentado esta condición son Mérida, México (2000); Iquique, Chile (2001); Maceió, Brasil (2002); Panamá y Curitiba, Brasil (2003); Santiago de Chile (2004); Guadalajara, México (2005); Córdoba, Argentina (2006).

Le siguen Cuzco, Perú (2007); Brasilia, Brasil (2008); Asunción, Paraguay (2009) y Santo Domingo, República Dominicana (2010).

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Un nuevo intento por recuperar el mural de David Alfaro Siqueiros, pintado hace más de 70 anos en Los Ángeles y cubierto con pintura blanca por manos retrógradas fue anunciado.

El mural “America tropical”, en el que el pintor mexicano representó a un peón crucificado, y que se encuentra en un muro en la Placita Olvera en el centro de la ciudad, será recuperado con una inversión de casi nueve millones de dólares.

Este día, el alcalde de Los Ángeles, Antonio Villaraigosa, junto con organizaciones y una sociedad con fondos privados y públicos en los que destaca el Instituto Getty, revelaron los planes de la restauración del mural, a fin de ofrecerlo al publico y reactivar el atractivo cultural y turístico del área.

Éste es el único mural público pintado por Siqueiros que ha sobrevivido en Estados Unidos, uno de los mas grandes muralistas de México y del mundo durante el siglo pasado.

Los esfuerzos incluirán la construcción, a partir de hoy, de un albergue para el mural, una plataforma para visitantes y un centro de información e interpretación de la polémica obra de arte sin que se precisara su fecha de conclusión.

“Desde su inauguración en 1932, “América tropical” ha sido una inspiración para numerosos artistas, educadores y activistas sociales sobre la importancia de la libertad de expresión”, manifestó el alcalde Villaraigosa.

“Este proyecto cuenta la historia increíble del talento artístico de Siqueiros y de su compromiso con la gente y de su valentía frente a la censura, durante un gran periodo de persecución política”, abundó. “Por ello estoy orgulloso de que la ciudad y el instituto Getty se hayan unido en sociedad para impulsar esta importante inversión en el arte público”, remató el funcionario nacido en Los Ángeles y con raíces mexicanas.

“América tropical”, que fue pintado por Siqueiros en 1932 en el segundo piso y en la parte exterior de un edificio, muestra a un indígena mexicano crucificado con una águila estadounidense arriba y soldados revolucionarios cerca de él.

La propuesta inicial a Siqueiros era el que mostrara un paisaje de la América tropical y el muralista, reconocido por sus ideales progresistas y de izquierda, pidió en la fase final que lo dejaran solo y ahí fue donde colocó al peón crucificado.

Esa acción fue la que generó protestas de grupos conservadores que no cejaron en su empeño de condenarla hasta que llegaron al extremo de pintarla totalmente de blanco a manera de rechazo.

El trabajo artístico fue olvidado por décadas y fue hasta los años 60 cuando se dio el primer intento por recuperarla gracia al movimiento chicano que mostró un renovado interés por su renovación.

El proyecto de reactivación será financiado con una inversión privada y pública de ocho millones 950 mil dólares -un agregado de tres millones 950 mil dólares de la Fundación Getty y cinco millones de dólares de la ciudad de Los Ángeles.

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A casi 50 años de su fundación, la Escuela de Diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes se consolida como una de las más destacadas del país, aseguró Berenice Miranda Vadillo, actual directora de la institución educativa.

Aseguró que la Escuela no sólo ha tenido un papel significativo en la educación y en la formación de diseñadores, sino también en el campo laboral y en la generación de proyectos específicos que apoyen a la profesión del Diseño.

Fundada en 1962, la EDINBA se prepara para celebrar sus primeros 50 años de existencia, en un contexto en el que el INBA se ha convertido en la institución de educación artística superior con la mayor oferta de licenciaturas, como ninguna otra universidad del país.

Sólo por mencionar un ejemplo, en México hay más de 120 universidades e instituciones de educación superior que ofrecen alrededor de 350 licenciaturas en artes, de las cuales 144 se cursan en las 14 escuelas del INBA, bajo un sistema eficiente que no tiene paralelo en toda Latinoamérica.

La Escuela de Diseño es considerada como una de las tres mejores de país y la única que contempla la enseñanza del diseño desde la perspectiva del arte.

El recinto, ubicado en Xocongo 138, colonia Tránsito, en la Ciudad de México, ofrece estudios de licenciatura y especialidades en diferentes ámbitos del diseño. El enfoque que se da a los estudios es integral y acorde con las diferentes formas en las que se produce en el campo profesional, lo que le permite al egresado contar con los referentes fundamentales para su desarrollo laboral.

“Esta institución surgió como la Escuela de Diseño y Artesanías y fue la primera escuela que puso sobre la mesa al Diseño como una formación profesional. Hay algunas discusiones sobre qué escuela fue primero, pero somos pioneros en la educación del diseño en México. Empezamos con clases en febrero de 1962”, recordó Berenice Miranda.

En sus inicios, la Escuela de Diseño y Artesanías estaba conformada por artistas plásticos y artesanos, lo que le fue dando una identidad muy propia. Su primer director fue el pintor José Chávez Morado y en ese entonces en México había una efervescencia con la integración de las artes plásticas y la arquitectura.

“Lo que es importante es que la EDINBA siempre ha estado apegada a la política nacional y al devenir cultural, artístico, económico, social y político del país. Somos una institución que a diferencia de otras siempre ha estado ligada al desarrollo del país”, expresó.

La historia de la Escuela ha estado vinculada a una preocupación social, tiene el interés de que sus proyectos se desarrollen para el bienestar social, como campañas que permitan un mejor entendimiento y apoyo al ámbito cultural. En 1972 contaba con 4 carreras: Diseño gráfico, Diseño de muebles, Diseño textil y Diseño de objetos.

“El gran paso de la Escuela de Diseño fue en 1994, cuando se llevó a cabo el proyecto de Reorientación Educativa del INBA, donde la EDINBA decide integrar sus cuatro carreras en una sola: la licenciatura en diseño, única en el país, hasta hace apenas unos años que se creó una licenciatura similar”, señaló la directora.

Hace 15 años, a través de realizar un estudio del campo laboral, el cuerpo colegiado de la institución descubrió que se empezaban a desdibujar las fronteras de las disciplinas del diseño, por eso elaboraron un plan de estudios integral con una propuesta bastante atrevida e innovadora para ese entonces.

“Paralelamente a ese proceso, la EDINBA abrió el primer posgrado en el INBA y uno de los primeros en el país. Tenemos una maestría en Creatividad para el Diseño y cinco especialidades con 15 años operando. También se amplió la oferta educativa con un programa extensivo de educación continua, a partir de 1994 a la fecha, la Escuela abre un panorama en el ámbito educativo profesional del Diseño bastante rico y que ha formado a generaciones de distintas instituciones en nivel de posgrado”, precisó.

De esta manera, afirmó, la EDINBA siempre ha estado a la vanguardia en términos de su propuesta educativa. Con la idea de ser una institución actualizada, con una perspectiva a futuro que no sólo busca responder al campo laboral, sino vislumbrar lo que pueden ser los posibles campos laborales y empezar a responder a ellos.

Cabe recordar que a finales de los años 80 y principios de los 90 hubo un gran auge de escuelas de diseño, del tal manera que de existir algo así como 30 Programas de Diseño se pasó a 180 en tan sólo seis años.

“Desde hace años hay un interés creciente por la carrera de diseño, yo diría que desbordado. Hay una gran demanda de iniciar en esta carrera, creo que se ha vuelto una carrera de moda. Algunos estudiantes no muy claros entran por la idea de que no hay matemáticas, otros porque no se lee, pero dista mucho de eso”, expresó.

Apuntó que en el país existe una gran demanda, pues hay  más de 20 mil estudiantes de diseño en el país, lo cual habla de que no va a haber campo laboral para todos.

En ese panorama, lo que planteamos es dar mejores oportunidades en la formación de diseñadores, con un sentido amplio del diseño y no en el específico, en donde tengan la posibilidad de ser estrategas, ir más allá del diseño y un cliente.

Señaló que cada año, la EDINBA entrega 450 folios para aspirantes a ingresar, de los cuales sólo 100 pueden ser aceptados. En la actualidad, la Escuela tiene 320 alumnos en Licenciatura y alrededor de 150 en Posgrado.

“Hay una gran responsabilidad al ser diseñadores. Es un trabajo que la Escuela ha estado impulsando a través de su participación en organizaciones de diseño, desde la generación de una nueva visión y la política del diseño en este país”.

Para la funcionaria, el diseño se ha convertido en uno de los factores de impulso económico, que pueden ayudar al bienestar social y en ese sentido un diseñador tiene que tener una sensibilidad y un bagaje cultural amplio, un conocimiento de la problemática de su entorno, ser una gente sensible al acontecer político y social.

Desde hace casi 18 años, la EDINBA organiza y opera la Bienal Nacional de Diseño, que brinda un reconocimiento a los profesionales del Diseño en México. “Es una labor que nos corresponde por ser la única institución gubernamental de Diseño, hay las universidades autónomas y privadas, pero ésta es la única que es estatal y en eso tenemos una gran responsabilidad”.

Con el objetivo de debatir cuál es el estado actual del Diseño en México y cómo podemos empezar a discutir políticas de Diseño para el país desde el gobierno federal, la EDINBA organizó en 2008 el Foro de Discusión, Diálogo, Diseño, Sociedad, Economía y Política, en donde se conjuntó a distintos especialistas de la SEP, Segob, Semarnat, Conacyt y Fonca, entre otros.

Además, destacó, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) es la única institución federal que en su Plan de Trabajo 2006-2012, tiene contemplado al diseño como un eje de trabajo importante, lo pone como una disciplina relevante para el desarrollo cultural del país.

“El foro de diseño tuvo una gran repercusión, tuvo una asistencia de unas mil 200 personas y especialistas de cinco países participantes. Considero que el papel de la Escuela de Diseño ha ido más allá de la formación y sus egresados están colocados en distintos espacios relevantes del Diseño, sobre todo en el ámbito cultural y social.

“Tenemos que continuar con el cambio de paradigmas en torno al quehacer del diseñador. En ese sentido, después de 15 años de un planteamiento muy innovador debemos volver a plantear nuevos contenidos en la formación de nuestros diseñadores, por lo que uno de los ejes es trabajar los proyectos de diseño a partir de distintos puntos de partida, desde la legislación y problemáticas específicas de nuestro propio contexto, porque no se pretende copiar modelos extranjeros, sino saber cómo es que los diseñadores pueden contribuir al desarrollo del país.

“Con motivo de nuestros 50 años, se iniciará una discusión donde la comunidad no sólo se volcará a regodearse en nuestra historia, sino en imaginar cómo ligamos esa historia al análisis del aquí y el ahora y cuáles son nuestras perspectivas a futuro”, concluyó Berenice Miranda.

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El cantautor Armando Manzanero será la figura central del Otoño Cultural Yucatán 2010, encuentro con el que el gobierno estatal rinde un tributo a los 65 años de vida artística del llamado “Señor Amor”.

El director del Instituto de Cultura de Yucatán (ICY), Renán Guillermo González destacó que durante este magno encuentro con las artes, se develará un busto del cantautor en la sala principal del teatro Mérida.

Posteriormente, ofrecerá un magno concierto, con lo que el Otoño Cultural iniciará formalmente en octubre próximo.

Al respecto, destacó que se estima serán un total de 300 los eventos culturales y artísticos en los que tanto propios como extraños podrán participar a partir del 22 de octubre al 12 de diciembre, la mayor parte de ellos de manera gratuita.

Guillermo González mencionó que para la edición 2010 del festival recibieron unos 400 proyectos a presentarse, de los cuales unos 300 obtendrán el apoyo.

De esa cantidad, entre un 60 y un 70 por ciento de los mismos, tienen como temática el Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución.

Reconoció que una de las dificultades que se han acentuado en la celebración de este encuentro de las artes es la falta de recursos económicos, por lo que el apoyo a las propuestas a desarrollar “está lleno de un gran sacrificio por parte de los artistas”.

Adelantó que el Otoño Cultural 2010 cerrará con un Festival de Jazz, el encuentro internacional de Poesía Coral y el Festival de Danza Oc´Ohtic.

Pulso Político Online/NOTIMEX

La Coordinación General de Difusión y la Dirección de Artes Visuales y Escénicas de la Universidad Autónoma Metropolitana invitaron a participar en el Ciclo de talleres de Teatro Casa de la Paz, de esa institución educativa.

Los cursos dentro del ámbito escénico serán impartidos del 4 de octubre al 8 de diciembre próximos en la Casa de Cultura Rafael Galván Maldonado, ubicada en la colonia Roma de esta capital.

Entre los talleres que se impartirán destaca el de “Crítica teatral”, que estará a cargo de Bruno Bert, que tiene como objetivo lograr una base técnica suficiente, adquirida a través de prácticas de análisis de la dramaturgia, dirección, actuación, escenografía e iluminación, los lunes y miércoles.

Otro es el taller de “Periodismo cultural”, a cargo de Ariel González, el cual tiene como propósito explicar lo que es este tema, una discusión siempre actual a partir de la noción misma de cultura. Se impartirá los lunes y miércoles.

Un curso más es el de “Dramaturgia”, que impartirá Noé Morales, que estará conformado a través de una serie de dinámicas y ejercicios concentrados en detectar, reconocer y estimular las capacidades expresivas de los alumnos.

Los lunes y miércoles entre las fechas mencionadas se buscará incentivar el desarrollo de habilidades para escribir, estructurar y proyectar textos dramáticos.

Pulso Político Online / Notimex

El reconocido pintor y cartelista, Henri de Toulouse-Lautrec, quien murió el 9 de septiembre de 1901, regresa al siglo XXI, durante una exposición en la que se hace homenaje a lo mejor de su producción, en Sanlúcar, España.

La muestra que permanecerá del 7 de septiembre al 5 de octubre próximo, informa el sitio en Internet sevillaactualidad.com, forma parte del ciclo “Diseñadores para un mito” y acoge más de 60 obras de algunos de los más importantes grafistas del mundo, que aportan su visión sobre el genial cartelista francés.

En la primera mitad de la exhibición fueron colocados los carteles contemporáneos que referencia a objetos con los que Toulouse-Lautrec se dejó fotografiar, y en la segunda se encuentran los carteles basados en el mundo del espectáculo y la noche parisina, de los que Toulouse-Lautrec fue excelente cronista.

El pintor francés Henri Marie Raymond Toulouse-Lautrec plasmó en obras modernistas como “El joven Routy” y “Las dos amigas”, sus amores frustrados y el dolor físico que lo acompañó hasta el día de su muerte.

Nació el 24 de noviembre de 1864 en la ciudad de Albi, en Francia, en el seno de una familia adinerada, pues sus padres ostentaban el título de condes, teniendo cierta influencia económica.

La muerte de su hermano menor recayó en la separación de su padres, y el pequeño Henri y su madre se trasladaron a París, donde inició sus estudios en el instituto Lycée Fontanes.

Durante esta época comenzó su educación artística al lado del pintor René Princeteau, dando vida a sus primeros dibujos y caricaturas. Los años siguientes fueron los mas difíciles para Toulouse, pues comenzaron a presentarse en él dificultades motrices que impidieron que regresara al colegio, por lo que fue trasladado a su poblado natal para llevar a cabo un tratamiento médico.

Un desorden genético provocado por la consanguinidad de sus padres (eran primos), afectó el desarrollo de los huesos del pintor. La enfermedad que en aquella época era desconocida, se denomina ahora picnodisostosis.

Debido a su padecimiento, el artista creció poco durante su adolescencia, alcanzó sólo un metro con 52 centímetros de altura, sin embargo, esto no fue impedimento para el desarrollo de su faceta de dibujante.

En 1881 regresó a París para iniciar sus estudios de pintura en el taller de Princeteau. Meses después fue discípulo de los pintores León Bonnat y Ferdinan Cormon.

Durante esa época conoció a Emile Bernard y Vicent van Gogh, con quienes entabló amistad y realizó obras como “El joven Routy” y “Una carreta”.

Los temas favoritos del pintor fueron escenas nocturnas de camerinos, prostitutas, cafés o artistas, que dieron la pauta para que tiempo después se convirtiera en un pintor modernista y abandonara el viejo estilo convencional del neo-impresionismo.

Para 1884 Toulouse-Lautrec se instaló en el barrio de Montmarte, lugar que gozaba de reputación criminal y ocio por la existencia de centros nocturnos de popular audiencia, como el “Mirlion”, “Le chat noir” o el “Moulin rouge”.

Este último fue un lugar muy especial para el artista y una de sus mayores inspiraciones para sus trabajos posteriores, los cuales sólo eran expuestos en solitario o entre pequeños grupos de arte de vanguardia.

De su vida sentimental se sabe que el pintor sostuvo relaciones con varias mujeres, una de las más importantes en su vida fue Suzanne Valadon, con quien vivió dos años hasta que ésta trató de suicidarse ante la negativa de Toulouse de tener un hijo con ella.

Sus relaciones posteriores las desarrolló al lado de prostitutas, con quienes descubrió su lado más íntimo, que lo llevan a ser espectador del lesbianismo, creando a partir de este tema obras como “Las dos amigas” (”L`abandon”).

Junto a los hermanos Natanson trabajó como retratista de los miembros más interesantes del círculo “La revue blanche”, en esa época su vida nocturna lo condujo hacia la adicción del alcoholismo, que se agravó después con una sífilis, producto de su vida sexual en burdeles.

Completamente dependiente del alcohol, Toulouse-Lautrec sufrió en 1898 un ataque de manía persecutoria, que lo arrastró a una crisis más profunda que lo llevó a intentar suicidarse con metileno; al no conseguirlo, fue internado una temporada en un sanatorio.

Después de su recuperación bajo los cuidados de un tutor, el pintor se trasladó en 1900 a la ciudad de Burdeos, donde sufrió una hemorragia cerebral que le paralizó la mitad del cuerpo.

Sus últimos días los pasó al lado de su madre, en el castillo de Malromé, cerca de la ciudad de Burdeos, hasta el día de su fallecimiento, el 9 de septiembre de 1901.

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