En el marco del Tianguis del Libro, que se desarrolla sobre avenida Reforma, el escritor Paco Ignacio Taibo II presentó hoy su más reciente libro, “El retorno de los Tigres de la Malasia”.

Se trata de una novela de aventura, que aborda la historia de un príncipe y un viajero que se ven rodeados por un mal enigmático.

Durante el acto, enmarcado en el tianguis que se lleva a cabo del 27 de julio al 1 de agosto, Taibo II expuso a los asistentes que con esta obra trata de retomar el género de aventuras, a través de héroes de su infancia.

“Me daba tentación de traer estos personajes a un público de jóvenes y lectores adultos, porque en las novelas que leía (cuando tenía) seis o siete años, había una serie de valores como la honra, el valor y el aprecio de la palabra dada”, aseguró el escritor.

Asimismo, dijo que deseaba revivir la novela de aventuras, por lo cual la historia se sitúa en 1876 en los mares del sur, donde dos viejos piratas de repente se ven mezclados en una conspiración e intentos de envenenamiento.

“Volví a leer todos los libros de mi infancia, cuando tenia seis o siete años; los reviví y cada personaje tienen una mayor profundidad y el resultado lo dirán los lectores, pues fue un trabajo de unos 11 años, por lo cual no fue fácil”, aseguró el narrador.

“El retorno de los Tigres de la Malasia” aborda la historia del portugués “Yáñez de Gomara” y el príncipe malayo “Sandokán”, que ven en peligro sus bienes, sus vidas y las de sus amigos cuando son atacados por una extraña fuerza maligna que aparece rodeada de niebla verde.

Entre perros que no lo son, asesinatos masivos y rumores, viejos piratas libertarios se ven obligados a abandonar el retiro y convocar nuevamente a los Tigres de la Malasia, para iniciar un combativo descenso a los infiernos.

También en las páginas de este libro pasan personajes como “Federico Engels”, un yate aparentemente inocente, pero repleto de cañones llamado “La mentirosa”, el “Doctor Moriarty”, submarinos, sociedades secretas chinas y los prostíbulos de Cambodia.

Pulso Político Online/NOTIMEX

Un total de 12 obras, reproducciones de murales localizados en la Secretaría de Educación Pública, conforman la exposición “Diego Rivera, un artista de la Revolución”, inaugurada hoy en el Jardín Hidalgo de Coyoacán.

“Los Rivera estamos agradecidos con el Senado de la República, porque propusimos que se hiciera esta magnífica muestra con fotografía y se logró”, aseguró Guadalupe Rivera Marín, hija del extinto muralista mexicano.

Dijo tener la esperanza de que la muestra pueda circular por todo el país, pues se trata de la crónica más exacta de la Revolución Mexicana.

Por su parte, la escritora Laura Esquivel, directora de Cultura en Coyoacán, mencionó que es un gusto y un honor contar con la reproducción de los murales de Diego Rivera (1886-1957), quien junto con Frida Kahlo es parte indispensable del espíritu de esta tierra.

“Como lo dijo (Luis) Cardoza y Aragón, don Diego Rivera es la imagen de México, y su persona y su obra integran no sólo una parte fundamental del espíritu de México, sino muy particularmente del espíritu de esta demarcación”, aseguró.

Refirió que los murales del artista “son modernos códices que nos siguen hablando en nuestra lengua materna, porque son la herencia que compartimos y con ellos aprendemos nuestra realidad. Cantan y estallan nuestra historia como si fuera un cohete en el cielo que invoca la eternidad de nuestro ser”.

En tanto, el senador Carlos Navarrete, presidente de la Mesa Directiva del Senado de la República, agradeció y felicitó el trabajo de Raúl Flores, jefe delegacional de Coyoacán, así como la atinada designación de Laura Esquivel como directora de Cultura.

“Esta exposición es una magnífica obra, cuyo propietario es el Senado de la República, pero no quisimos tenerla guardada en la bodega, porque hablar de Diego es hablar de varias épocas del país y de la Ciudad de México, así como de su cultura y su militancia política”, dijo Navarrete.

Adelantó que recién firmó un convenio con el presidente del senado de Rusia para que esta obra se exponga en los próximos meses en Moscú.

La exposición, que tiene dos sedes, una en el Jardín Hidalgo y la otra en el Centro de las Artes de Santa Úrsula, contiene obras como “La lluvia”, “Cantando el corrido”, “El hogar tan querido” y “El pintor, el escultor y el arquitecto”.

También “El pan nuestro”, “La unión”, “Los frutos de la Tierra”, “Emiliano Zapata”, “A trabajar”, “La trinchera”, “Sueño la noche de los pobres” y “Un solo frente”.

Posteriormente, se inauguró en el Centro de las Artes de Santa Úrsula la otra parte de la muestra, conformada por 16 obras, en tamaño de cinco metros de largo por cuatro de ancho, entre las que destacan “La maestra rural”, “La liberación del peón” y “La burguesía”.

Pulso Político Online/NOTIMEX

A manera de homenaje a los artistas que viajaban de una ciudad a otra, con su espectáculo al hombro, con el que hacían las delicias de chicos y grandes, los domingos de agosto se presentará la puesta en escena “El tren del circo”.

Las funciones preparadas en especial para los menores de edad se llevarán a cabo en el Foro del Dinosaurio del Museo Universitario del Chopo, los días 1, 8, 15, 22 y 29 del presente mes.

De acuerdo con información de los organizadores, la antigua tradición de acróbatas, malabaristas, equilibristas, magos y payasos que ha iluminado los rostros y corazones de la gente, sirve de marco festivo para esta obra, que provoca de risa en chicos y grandes.

Sobre un escenario vacío, tres personajes construyen un espacio donde habita la ilusión, la fantasía y la magia. Un telón, cuerdas, pelotas, cubetas y otros elementos bizarros constituyen el material con el que un mundo fantástico cobra vida ante los ojos del público.

“El tren del circo toma como base el arte del “clown” y lo integra con la utilización de monociclos, zancos, malabares, magia y la participación del público.

De esta forma crece un descabellado espectáculo en el que tres payasos intentan instalar su circo ambulante, pero nada les sale como ellos esperaban.

En esta obra creada por Imaginarte, Teatro Mexicano para Niños y Jóvenes, participan Melanie Novelo, José Juan Rodríguez y Marco Novelo.

La cita es los domingos 1, 8, 15, 22 y 29 de agosto en el Foro del Dinosaurio “Juan José Gurrola”, del Museo Universitario del Chopo, ubicado en la colonia Santa María La Ribera, en esta ciudad.

Pulso Político Online/NOTIMEX

Ocho alumnos del programa “Rincón de la Marimba”, desarrollado con apoyo del Conaculta a través de la Secretaría de Cultura de Oaxaca, representarán a México con este instrumento.

“Con la marimba se puede tocar todo, desde una obra de Mozart hasta las canciones populares más contemporáneas”, afirma el profesor Sotero Ruiz Cid, quien está convencido de que ningún instrumento adoptado por esta cultura alcanza tal variedad de registros y repertorios.

Responsable del proyecto “Rincón de la Marimba”, a través del cual instruye a más de 80 niños y jóvenes de 12 municipios de Oaxaca, Ruiz Cid confiesa que actualmente está de fiesta por la selección de ocho alumnos de entre 12 y 15 años para representar al país en la Expo Mundial Shanghai, los días 31 de julio, 1 y 2 de agosto.

Apoyado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través de la Secretaría de Cultura del gobierno del estado, el proyecto es en opinión de su fundador, uno de los más nobles esfuerzos por mantener viva la tradición de este instrumento en el estado de Oaxaca, entidad donde los marimberos son tan conocidos como en otros estados como Chiapas, Tabasco y Veracruz.

“Hay una magia muy especial en la marimba, comenzando porque es uno de los instrumentos más hermosos que existen, uno lo puede tener en la sala de la casa y es tan bonito que enriquece el ambiente, pero lo más importante es su sonido, casi cualquier tipo de música puede ser interpretada a través de su registro”, dijo.

Ruiz Cid refirió que la tradición de la marimba proviene de África, exactamente del sur de Angola y llegó a México después de la conquista española, convirtiéndose en un instrumento vital para muchas comunidades.

“El instrumento ha ido evolucionando con el paso de los siglos, inició con un registro muy elemental de 12 tablillas, pero ahora hay marimbas de hasta seis octavas, que se comparan con la capacidad de un piano”, añadió.

Ruiz Cid explicó que en el proyecto “Rincón de la Marimba” se enseña a los niños y jóvenes todos los antecedentes del instrumento y se trabaja muy de cerca para descubrir cuál es la aptitud de cada uno para los diferentes registros de marimba que incluyen primera voz, segunda voz, bajo y armonía.

“Prácticamente es comenzar de cero con cada muchacho, cada aspecto de la marimba por pequeño que sea es fundamental para conocer todo su entorno musical, desde cómo se toman las baquetas, el conocimiento de las notas internas del instrumento, hasta el dominio de sus faldones y resonadores”, comentó.

Desde 2006 en que fue desarrollado por la Secretaría de Cultura de Oaxaca, el proyecto ha tenido un gran impacto cultural en el estado, además de recibir el premio internacional Coming Up, taller 2008 entregado por la entonces primera dama de Estados Unidos, Laura Bush, además de haber participado en 2009 en la Expo Internacional del Libro en Colombia.

“No fue fácil la selección de los jóvenes marimbistas que viajarán a Shanghai, pero al final, nos decidimos por tres grupos tomando en cuenta su calidad interpretativa y su aptitud técnica para desarrollar cualquier pieza”, estimó.

Los muchachos de entre 12 y 15 años que formarán parte de esta delegación son Noemí Reyna Gómez, Reyna Isabel Rodríguez, Iván Escobar, Daniel Castillejos, Javier Chávez, Edgar Eduardo Enríquez, María Fernanda Sánchez y Aldail Rodríguez Arroyo.

“La marimba ha representado una gran apertura de oportunidades para estos jóvenes, estoy convencido que el aprendizaje de un instrumento musical es uno de los elementos más benéficos para un ser humano, porque lo ayuda no sólo a desarrollar muchas capacidades, sino que le permiten participar en la construcción de la identidad de su propio entorno”, acotó.

Y agregó: “Nos encontramos ante uno de los instrumentos musicales más antiguos del mundo, antiguamente se le llamaba las maderas que cantan, pero yo estoy seguro que lo mexicanos hemos aportado mucho al desarrollo de este instrumento, colmándolo del colorido y riqueza de nuestras tradiciones, en cada marimba hay un poco del corazón de los mexicanos”, concluyó Sotero Ruiz Cid, responsable del proyecto “Rincón de la Marimba”.

Pulso Político Online/NOTIMEX 

La obra de Richard Kern, compuesta por 20 piezas fotográficas, 18 a color y dos en blanco y negro, en las que destacan imágenes de la cultura estadounidense de los años 90, será presentada a partir de este viernes en Vice Gallery, en la Ciudad de México.

Sexo, mujeres envueltas en lujo, sufrimiento y sofisticación son sólo algunas de las características de la cultura posmoderna que se reflejan en la obra, con una amplia paleta de colores y la fascinación evidente por los personajes sin edad que reunirá por primera vez a dos artistas de talla internacional.

A través de un puente cultural creado mediante el diálogo que establece el artista Richard Kern y Gildo Medina, este último con ilustraciones realizadas ex profeso para el “Project Room” de la Galería, se refleja la atracción por las figuras femeninas y perversas.

En la muestra también expondrán artistas de la talla de Terry Richardson, Ryan McGinley y ScottCampbell, entre otros.

La muestra permanecerá en el recinto hasta el 30 de septiembre, se informó hoy en comunicado.

Richard Kern es un escritor y fotógrafo nacido en Carolina del Norte. Se destacó como artista durante el “boom underground” en el East Village de Nueva York, en la década de 1980, con películas eróticas y experimentales con personalidades de la época como Lydia Lunch, David Wojnarowicz, Sonic Youth, Kembra Pfahler y Henry Rollins en películas como “El lado derecho del cerebro” y “Dedos”.

Los primeros pasos de Kern en el arte fue una serie de revistas underground de producción propia con temas sobre arte, poesía, fotografía y ficción, que realizó junto con varios amigos.

El trabajo de Gildo Medina, por su parte, es múltiple y reconocido internacionalmente por los académicos, artistas y profesionales del ámbito.

Nacido en 1980, ya suma la experiencia adquirida al haber trabajado en seis países, con registro de no menos de 25 premios y galardones que reconocen su maestría del dibujo deslumbrante, así como la creatividad artística y audacias visuales.

Pulso Político Online/NOTIMEX

Hace mil 600 años, cerca de ocho mil caracoles y semillas dieron forma a un tapete que sirvió como ajuar funerario de un personaje de alto rango de la antigua ciudad maya de Calakmul, Campeche.

Tras su hallazgo en 1998 y luego de una ardua labor de restauración y reconstrucción, esta pieza considerada la única recuperada en ofrendas de esta civilización, será exhibida por primera vez al público en el Museo Nacional de Antropología (MNA).

Esta singular pieza, cuyos diseños representan el modelo cosmológico de dicha cultura prehispánica, forma parte de la exposición Rostros de la divinidad. Los mosaicos mayas de piedra verde, que se presentarán a partir del 12 de agosto, y en la que se mostrarán las ofrendas funerarias de cinco gobernantes mayas.

La pequeña alfombra fue colocada entre los años 375 y 450 d.C., al lado izquierdo de un personaje importante de Calakmul, Campeche, que fue sepultado al interior de la Estructura III de esta zona arqueológica.

Su hallazgo se registró en 1998 por la arqueóloga Sophia Pincemin, como parte de una rica ofrenda de cerámica y jadeíta.

Entre 2008 y 2009, el tapete funerario -de tan sólo un metro de largo por 25 centímetros de ancho aproximadamente- comenzó a ser rearmado y restaurado por la especialista Sofía Martínez del Campo Lanz, del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

Lo hizo a partir de la coloración roja que aún conservaban algunas de las pequeñas piezas, la descripción del orden en que fueron halladas, y varios ensayos de colocación de los caracoles y semillas, lo que permitió completar el rompecabezas.

“La restauración de este tapete no sólo representa el rescate de una obra maestra del arte maya, sino también del significado cultural y ritual que tuvo para esta civilización hace más de mil 600 años”, comentó Martínez del Campo.

Asimismo explicó que de acuerdo con las imágenes representadas, la pieza tenía como finalidad ayudar al personaje enterrado -posiblemente un dignatario- a trascender de manera espiritual los tres planos del cosmos: celeste, terrenal y subterráneo.

El tapete fue confeccionado con seis mil 630 semillas (de tres milímetros de longitud) de la planta silvestre Lithospermum sp, y mil 648 caracoles cortados de cinco especies diferentes: Morum tuberculosum, Oliva reticularis, Oliva sayana, Marginella labiata y Marginella carnea.

De acuerdo con los estudios hechos en los laboratorios del INAH, donde se realizó la identificación de las especies, “las semillas tienen una cubierta dura que protege la materia orgánica en su interior”.

“Los mayas extrajeron con mucho cuidado ese material por medio de calor indirecto, esto se sabe porque las simientes tienen huellas de haber sido expuestas a fuego indirecto, tal vez en un comal. Después las bordaron sobre un lienzo de tela o de piel que con el tiempo se desintegró”, explicó la restauradora.

Martínez del Campo indicó que la identificación de los caracoles estuvo a cargo del arqueólogo Adrián Velásquez y la bióloga Belem Zúñiga, ambos adscritos al Proyecto Arqueológico del Templo Mayor, y la bióloga Norma Valentín, investigadora de la Subdirección de Laboratorios y Apoyo Académico del INAH.

Mientras que la identificación de las semillas estuvo a cargo de José Luis Alvarado y María Susana Xehuantzli, investigadores del Laboratorio de Arqueobótanica del Instituto.

La restauradora explicó que una vez que se formuló una propuesta de armado de la pieza, derivada de decenas de esbozos de la forma que pudo haber tenido, se logró determinar el orden en el que las piezas coincidían de manera acertada.

Una vez definido el esquema, se elaboró un soporte de lino, que fue reforzado y sobre el cual se bordaron los cerca de ocho mil pendientes.

“Fue una sorpresa al descubrir que este tapete funerario es una representación horizontal del modelo cosmológico, con los tres planos del cosmos”, expresó la especialista, al abundar que de acuerdo con la disposición de las semillas y los caracoles, los mayas representaron el cielo, la tierra y el inframundo, unidos por un eje central.

La parte celeste está recreada con 13 caracoles Oliva, mientras que la terrenal fue enmarcada en un rectángulo que se ubica en el área central.

Dentro de ese cuadrángulo, formado con las pequeñas semillas, se representó una milpa y a los lados de ésta parcelas de cultivo que están delimitadas con tres hileras de caracoles que aún conservan su coloración roja.

“Para los mayas, el rojo estaba asociado con el concepto de la sangre y la fertilidad, de tal manera que la colocación de este tipo de caracoles en la parte terrestre simboliza el sacrificio de sangre que se derramaba en los rituales para alimentar a la tierra”, indicó la restauradora.

En la parte central del tapete funerario se observa también la representación de dos grupos de caracoles Oliva, que fueron cortados y labrados con la finalidad de dar la apariencia de rostros y cráneos.

En el arte maya, los rasgos eran representados con un mismo patrón, con el fin de mostrar gestos y expresiones de las deidades y entidades sobrenaturales.

Hay un patrón de cuatro rostros que indicarían la presencia de entidades sobrenaturales conocidas como Pauahtun o Bacabs, vinculadas con el culto al agua, y a modo de columnas que detienen el cosmos.

“El conjunto de rostros y calaveras está enmarcado con caracoles de mayor tamaño que hacen alusión a un río subterráneo. El esquema, en sí mismo, expresa la existencia transitoria ante la muerte del cuerpo y el obligado descenso al inframundo”, adujo.

Martínez del Campo Lanz abundó que toda la escena del rectángulo está rodeada por otra serie de caracoles que también hace referencia a un río; por la forma en que fueron colocadas las conchas se simula el movimiento del agua de un caudal.

Después de casi dos años de trabajo de restauración e interpretación, el tapete funerario de Calakmul se mostrará al público en la Sala de las Culturas Indígenas del Museo Nacional de Antropología.

Allí también se montará un fotomural que ayudará a apreciar mejor los detalles, además de cédulas informativas con la interpretación del significado de esta joya prehispánica, concluyó la restauradora del INAH.

Pulso Político Online/NOTIMEX

Con la participación de Aguascalientes, Querétaro y San Luis Potosí, hoy comenzó aquí el 32 Festival Internacional de Música de Cámara, el cual se llevará a cabo en espacios cerrados y al aire libre, hasta el 15 de agosto próximo.

Este acontecimiento es desde sus inicios en 1978, el único en su género a nivel Latinoamérica por la forma en que combina la difusión y la docencia.

“Inició como un sueño, como un ambicioso proyecto que se convirtió en sinónimo de esfuerzos, que al Instituto Nacional de Bellas Artes le llena de beneplácito el acompañar y apoyar”, dijo Eduardo Soto Millán, coordinador Nacional de Música y Ópera de ese organismo.

“Esta iniciativa se ha vuelto un referente para la mayoría de músicos mexicanos que han pasado por el festival, logrando tener ese contacto y decidirse a desarrollar su vida profesional”, añadió.

Dentro de esta emisión el publico podrá disfrutar de más de 100 actividades, como conciertos al aire libre, clases magistrales, conciertos de bellas artes, las callejoneadas, talleres para niños, un mercado de cuerdas, una exposición sobre los instrumentos de cuerda, la programación de jóvenes intérpretes y la presentación de grandes músicos mexicanos e internacionales.

Por su parte, el organizador del Festival, Martín Reyna, resaltó que este año el FIMC se expande con la participación de la Orquesta de Cámara de Aguascalientes, la colaboración y presencia del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes; y la realización dos recitales en Santa María del Río, San Luis Potosí.

Dicho festival reunirá a músicos como los cuartetos de cuerdas Endellion, Escher, Carlos Chávez, Miró y San Petersburgo; el Trío Poulenc, el Quinteto de Metales Synergy, el pianista Richard Dowling y los conciertos de Bellas Artes, y los grupos ganadores de jóvenes intérpretes, entre otros.

Alain Durbecq, coordinador del Programa de Estudiantes, enfatizó la labor académica que el festival realiza con los jóvenes intérpretes, quienes deben cubrir una serie de requisitos para poder participar.

Sobre los beneficios que estos jóvenes intérpretes obtienen, Durbecq destacó la serie de experiencias que a nivel profesional adquieren, al convivir con grandes músicos, así como el aprendizaje que reciben al participar en algunas de las actividades, ya que el 65 u 85 por ciento de las orquestas de México han participado alguna vez en este festival.

Es un evento punta de lanza a nivel artístico al combinar la música con la parte académica, importante para la cuidad y la frontera del bajío, es un encuentro entre mexicanos y su impacto es real, aunque este festival es muy joven, goza de una gran presencia a nivel nacional e internacional, expresó Rafael Santín del Río, director de Enlace con las Entidades Federativas del INBA.

Agregó que en el aspecto académico, este encuentro goza de gran prestigio por su calidad y que seguramente su casa matriz, ”El Nigromante”, desarrollará importantes actividades, como las clases magistrales para los participantes, quienes podrán disfrutar de una estancia muy enriquecedora a nivel profesional y vivencial.

Laura Gabriela Corvera Galván directora del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, dijo que es el primer año que el Instituto se integra a las actividades del festival, a través del INBA y de la Escuela de Laudería, dentro del área de formación y promoción.

Y resaltó que dicha escuela es única en Latinoamérica en formar profesionales en la construcción de instrumentos, quienes podrán exponer sus trabajos por dos semanas durante el festival.

Pulso Político Online/NOTIMEX

Año con año se lleva a cabo el Festival Viva Vivaldi, en está ocasión, dedicado al Bicentenario y se recordará la Revolución Mexicana.  El evento reunirá a sobresalientes músicos como Boguslaw Dawidow de Polonia, Dominique Fanal de Francia y Ramón Shade de México, además de la presencia de la mezzosoprano Edita Randova de la República Checa.

Entre los eventos más esperados del programa están las presentaciones de la Orquesta Vivaldi los días 1, 8, 15 y 22 de agosto en el Casino Español,  y la “Opera de Barrio” basado en la obra de Erando González, donde se expone el aspecto comunitario y tiene como objetivo generar nuevas dinámicas sociales.

Además de los grandes eventos, el festival tiene una característica peculiar como el mismo Vivaldi y en honor a él: los talleres infantiles que ya hace algunas ediciones se vienen efectuando, y en está ocasión, se realizarán visitas a comunidades como Obrero Mundial, el Hogar Guadalupano, Institución San Fernando, Hogares Providencia del Padre Chinchachoma, Centro Matlapa, entre otros, donde se pretende llevar la cultura a niños y jóvenes que por diversas causas, se encuentran privados de su libertad, alejados de su familia o en algún albergue, labor que por demás, es loable.

El Festival pretende, no sólo acercar a diversos sectores sociales al arte, particularmente a la música, sino crear un sentido de responsabilidad mediante una programación con gran número de eventos de gratuitos y las visitas a los lugares ya mencionados.

Sin duda alguna el hecho de llevar el arte a niños con problemas sociales, legales y psicológicos es una invaluable ayuda a la comunidad, pues no sólo los sensibiliza, sino también es una forma de canalizar su energía y mente hacia una actividad constructiva.

Si consideramos que las cárceles y tutelares en México son de los más peligrosos de América Latina debido a la corrupción, la violencia, sobrepoblación entre otras, el arte y actividades que permitan una readaptación completa del ser humano, consiguiendo que las cárceles y centros de detención dejen de ser escuelas del crimen, es una invaluable herramienta.

Además, desgraciadamente, el crimen organizado parece ser el más interesado en acercarse a la juventud, que para el 2007 ya tenía a más de 23 mil infractores menores de 18 años, convirtiéndolos en los delincuentes del mañana, lo cual, aunado a la crisis económica, parece acrecentar de manera alarmante los índices de delincuencia juvenil, por ello, la labor realizada por los organizadores del Festival “Viva Vivaldi”, resulta ser una labor que no sólo ayuda a los jóvenes, sino a toda una sociedad, a encontrar en el arte, una inmejorable ayuda contra la violencia, soledad, entre otras.

Ejemplo de ello es Luis J. Rodríguez, quien a los once años ya tenía un largo camino por las pandillas de los Ángeles pero que encontró en la poesía y la literatura un nuevo futuro, gracias al cual, hoy día es un exitoso escritor y activista en la comunidad, compartiendo su historia con jóvenes de Estados Unidos y América Latina para darles esperanza y herramientas contra la violencia, pues para él, la creatividad y las bellas artes pueden crear nuevas comunidades de jóvenes no violentos, ya que al parecer, el mostrar belleza en lugar de violencia les puede hacer ver su propia valía.

Esperamos que no sólo durante el festival el arte pueda ser accesible para comunidades que no tienen acceso a él, pero sin duda, si se puede traducir en beneficios, haciendo un llamado de atención a las autoridades y hacerles ver que algunos cambios son necesarios y eficaces contra la delincuencia juvenil y la violencia.

Una cálida recepción ha tenido el Pabellón Mexicano que integra la obra de 10 jóvenes artistas mexicanos, bajo el título “Crossing Boundaries” (Cruzando fronteras), en la II Bienal de Arte Joven de Moscú, en Rusia.

Esta muestra se exhibe en una antigua fábrica que actualmente alberga al Centro de Arte Contemporáneo Winzavod, uno de los más dinámicos de la capital rusa, y la participación reafirma la cada vez mayor presencia de México en el mundo.

Reúne el trabajo de los artistas Artemio, Mely Barragán, Daniela Edburg, Cynthia Gutiérrez, Ximena Labra, Txema Novelo, Jaime Ruiz Otis, Daniel Ruanova, Joaquín Segura y Antonio Vega Macotela, cuyas obras de impresión digital, fotografía, video e instalación se muestra en el Salón Rojo, de 700 metros cuadrados, del Centro Winzavod.

Curada por Claudia Arozqueta, fue inaugurada el pasado 2 de julio con la presencia de Alfredo Pérez Bravo, embajador de México en la Federación de Rusia; Sofía Trostenko, directora general del Centro de Arte Contemporáneo Winzavod; Vasili Tsereteli, director del Museo de Arte Moderno de Moscú, y Mikhail Mindlin, director general del Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Rusia.

La Bienal de Arte Joven de Moscú es uno de los grandes acontecimientos de expresión contemporánea que tiene lugar en Rusia. Su principal objetivo es promover, respaldar y estimulara los jóvenes artistas del país y crear un diálogo con artistas emergentes de otras partes del mundo.

Por el tamaño de la exposición y el número de artistas, el Pabellón Mexicano fue uno de los más destacados de la Segunda Bienal, y para su apertura, algunos de los artistas viajaron desde México. Muchos de ellos son beneficiarios del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, del Conaculta.

“Crossing Boundaries” muestra 14 proyectos de 10 jóvenes artistas mexicanos de distintas regiones del país, cuyo trabajo ofrece una ventana crítica de cómo la sociedad asume conceptos como el tiempo y la violencia.

Y la manera en que esto encuentra cabida en la producción artística de un entorno global, en perpetuo cambio y en el que las etiquetas basadas en la nacionalidad se desvanecen.

Pulso Político Online/NOTIMEX

Obras pictóricas que representan a emblemáticas figuras artísticas del siglo XX, entre ellos el escultor británico Henry Moore, nacido el 30 de julio de 1898, son presentadas actualmente en el Museo Provincial de Teruel, en la provincia española de Zaragoza.

La muestra que se titula “Primeros planos del siglo XX”, está integrada por 35 óleos que fueron donados al recinto por el pintor Alejandro Cañada y podrá ser visitada hasta el 5 de septiembre próximo.

Henry Moore es reconocido como uno de los grandes escultores del siglo XX, creador de obras maestras, las cuales se ubican en los principales museos del mundo y adornan plazas, parques y edificios de varios países.

Henry Spencer Moore, quien nació en Castleford, Yorkshire, Inglaterra, expresó desde temprana edad su interés por la escultura, pero para cumplir los deseos de su padre primero se convirtió en maestro de escuela.

Al empezar la Primera Guerra Mundial (1914-18) formó parte del XV Regimiento de Londres, pero se envenenó con gases después de un bombardeo en Bélgica y regresó a Inglaterra para su recuperación.

Después del armisticio, el gobierno le otorgó dinero para su rehabilitación, recursos con los que pudo inscribirse en la Escuela de Arte de Leeds, donde estudió durante dos años.

Allí conoció e hizo amistad con la escultora Bárbara Hapworth, relación que fue fecunda y provechosa, pues ambos intercambiaron ideas e influencias artísticas.

Moore continuó sus estudios en Londres, en el Royal College of Art, hasta 1924. Al terminar, fue nombrado profesor del mismo colegio y obtuvo una beca para viajar por Italia y Francia.

Opuesto a las tendencias académicas tradicionales y al realismo de Auguste Rodin, Moore encontró una fuente de inspiración en la escultura primitiva y en el arte egipcio y etrusco.

Más tarde, la escultura de los mayas y los aztecas ejercería sobre él una influencia decisiva.

De acuerdo con los datos biográficos que se tienen, la década de 1930 fue para Moore de luchas y realizaciones.

En 1931 presentó su primera exposición, apoyado y presentado por Jacob Epstein, pero no tuvo éxito.

Por esa época, el artista se alejó de sus formas anteriores para acercarse al abstraccionismo y al surrealismo. Las obras de su primer periodo muestran una fuerte tendencia al modelado amplio, monumental y, en ocasiones, geométrico.

De la década de 1920 destacan “Maternidad” (1924) y “Madre e hijo” (1924-1925).

Hacia 1926, al conocer el arte de las culturas precolombinas de México, Moore inició, basándose en la figura del Chac Mool, una serie de figuras femeninas reclinadas; tema que había sido desarrollado por los toltecas y mayas.

Al negarse a hacer cualquier concesión al gusto del público o de la crítica, se convirtió en uno de los fundadores del grupo surrealista de Inglaterra y escribió artículos sobre su ideología.

Otras de sus obras destacadas son “Composición” (1931), “Cabeza y pelota” (1934), “Pájaro y huevo” (1934), “Talla” (1936), “Forma cuadrada” (1936), “Madre e hijo” (1936), “Relieve con cuerdas” (1937), “La novia” (1939-1940), “Canasta de pájaros” (1939), por citar algunos.

Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-45), la escasez de materiales lo obligó a realizar esculturas de pequeñas dimensiones y a dedicarse al público inspirado en la vida de los ingleses dentro de los refugios antiaéreos.

Para la iglesia de San Mateo, Northampton, tres años después realizó una estatua de la “Madonna con el niño”.

En esa época empezó también a crear una serie de “grupos familiares”, por lo general en bronce.

Después de la guerra, el arte de Henry Moore fue finalmente aceptado y las artes modernas reconocidas en Inglaterra como parte de la tradición artística nacional.

En 1948, en la XXIV Bienal de Venecia, el escultor obtuvo el Premio Internacional de Escultura y recibió en su país honores e importantes encargos, como “Memorial Figure” (1947), “Grupo familiar” (1948) y “La pareja real” (1953), entre otros.

Henry Moore continuó con su labor creativa hasta su muerte, acaecida el 31 de agosto de 1986, en Much Hadham, Hertfordshire, Inglaterra.

Pulso Político Online/NOTIMEX